Acabo de ler “A Educação para uma compreensão crítica da arte no ensino fundamental" de Dr. Teresinha Sueli e Lila Emmanuele

 

Quando pensamos sobre o ensino de arte no Brasil nos deparamos com um grande problema conjuntural: como podemos nos enquadrar numa sociedade extremamente multicultural - o Brasil é uma união de distintos povos - e, ao mesmo tempo, tão radicalizada em problematicidades oriundas de comportamentos e pensamentos de matriz universalista e pulsões de dominação por grupos majoritários ou minorias poderosas?

Anteriormente a educação no âmbito das artes era abertamente reprodutivista, essencialista e universalista. Sua busca era atender a profissionalização, uma necessidade do mercado de trabalho. Uma importante questão era ignorada no ensino da arte: o pensar criticamente a própria arte. A arte precisa ser pensada além de ensinada e localizar os contextos, questioná-los e até mesmo relativizá-los é de suma importância.

A educação pós-moderna visa uma cidadania responsável. Ela é propulsionadora duma ótica mais multicultural, na defesa duma sociedade mais plural e também questionadora das estruturas de dominação e exploração. As realidades sociais não são tidas como essenciais e tampouco adquirem o status de inquestionabilidade. A lógica ocidental criada por homens brancos não é vista como universal. Muito pelo contrário: a educação pós-moderna visa uma dialogicidade entre as mais diversas formas de se realizar o ato artístico.

Creio que precisamos pensar responsavelmente a arte. E pensá-la responsavelmente requer uma atitude de igualdade entre as diferentes culturas, aceitando - e não apenas tolerando - o outro em sua humanidade. Pensar de forma pós-moderna, no fundo, é isso: pensar humanisticamente. Abrir o diálogo, não querer a submissão de um povo, deixar que cada um possa adentrar no oceano da multicultura e fazer sua arte de forma crítica e responsável.

Acabo de ler "Jogos teatrais na sala de aula" de Maria Lúcia de Souza Barros Pupo

 

A anatomia do estudo de teatro, em seu aspecto de encenação, é bastante diferenciada do estudo usual. Visto que seu visar é mais lúdico e menos domesticado por abstrações teoréticas que elevam a imaginação aos céus sem mexer muito com o corpo, levando um desnivelamento entre aquilo que se estuda e aquilo em que o corpo inteiro atua.

Por meio dos jogos teatrais temos o estudo lúdico em uma ficção partilhada. Existem diferentes jogadores que, perto um do outro, traçam linhas atitudinais. Cada um deles faz um personagem-tipo diferente e atua cenicamente de modo experimental. O que dá margem a uma série de problemáticas que são resolvidas durante o jogo e podem ser repensadas.

Por meio desse jogo se desenvolve simultaneamente a expressão corporal e a escuta atenta no sentido mais profundo do termo. Não só aquilo que o companheiro ou a companheira fala verbalmente, mas por meio de sua expressão não verbal. O que a sua vestimenta traz, o que seu posicionamento corporal traduz, o que a sonoridade se sua voz ecoa. Tudo isso leva a uma atenção multicorrelacional em que a percepção da pessoa em si é exercitada.

É nesse brincar que são trabalhados exercícios de alteridade em que nos colocamos e corporificamos na pele do outro. Tentando viver as suas vidas. Tentando entender quais são os problemas que ele tem. Quais são as suas debilidades. E também podemos levantar hipóteses sobre distintos cenários possíveis, reimaginando também as nossas próprias possibilidades enquanto indivíduos portadores de vontades e de liberdades.

Estudar teatro é, seja pelos jogos teatrais, seja pela imersão nos aspectos teóricos, uma forma de repensar a vida em sua totalidade. Visto que tudo é um cenário e tudo exige, de cada um de nós, um modelo de atuação e uma forma de personificar o que queremos com a totalidade de nosso ser.

Acabo de ler "O belo, a percepção estética e o fazer artístico" de Cristina Costa

 

A sociologia da arte estuda as manifestações artísticas através das diferentes sociedades em seus diferentes percursos históricos. Cada qual com gostos diferentes que dão uma mensagem sobre o que se passa nessas sociedades. O artista é tido como um agente social que serve para justificar o poder instituído ou contradizê-lo por meio de sua arte.

Quando pensamos na arte não podemos adentrar numa lógica universal, visto que cada arte representa os valores ou contra-valores dos diferentes grupos que estão em disputa. Sendo que o maior valor apresentado não é do grupo marginal, mas aquele que pertence a classe dominante. Isto é, dos detentores dos meios de produção cultural. Embora seja verdade que os detentores dos meios de produção cultural podem ser a alta burocracia que, nos países autointitulados de comunistas, usurparam o poder do proletariado e campesinato, constituindo assim a nova classe dominante.

O juízo estético é fruto das diversas composições que formam nosso ser: classe social, classe econômica, período histórico, gênero, cultura, geografia, religião, crenças. Tudo isso envolve a forma com que veremos e perceberemos a sociedade. Então não temos juízos imparciais para criar uma universalidade, essa sempre vem dum desejo de dominação e desumanização dos grupos minoritários ou tidos como inferiores. Esse assunto é, na sociologia da arte, palco de inúmeros debates.

A ótica que temos hoje é uma ótica de legitimação da diversidade. A razão disso? A sociedade globalizada sempre nos põe em contato com o outro. Dificilmente um cidadão urbano, em contato com múltiplas culturas e bastante conectado a internet, poderia ter uma lógica não cosmopolita. E é por isso que a pretensão hegemônica de certos grupos é abstrata, visto que eles mesmos são mesclas de vários grupos ou até mesmo visam paralisar esse ambiente por meio dum movimento de censura e paralisação do processo global.

Estudar sociologia da arte é uma forma de aprender mais sobre nós mesmos, de nossa sociedade, de nossa cultura. No entanto, não para nisso: compreendemos mais do outro, do passado e da relatividade.

Acabo de ler "O ensino de arte na educação brasileira" de Rosa Iavelberg

 

O Brasil sofre de enormes debilidades na questão do ensino da arte em suas instituições de ensino. Mesmo após tantos anos e tantos avanços, temos uma generalizada crise e insuficiência no quesito do ensino da arte em nosso país.

Em primeiro lugar, é preciso compreender que "arte" se divide em quatro linguagens:

1- Artes Visuais;

2- Música;

3- Teatro;

4- Dança.

Se existem quatro linguagens, como é que um único professor pode ser capaz de passar essas quatro linguagens de forma igual e com rendimento simétrico com uma formação debilitada e, muitas vezes, não atualizada? Não só a formação do professor é deficiente, a sua atualização como professor também é. Como resultado, o contato dos alunos com as linguagens e expressões da arte é irregular e deficitário.

Corre também outro fato: o professor é muitas vezes obrigado a dar aula em mais de uma escola para sobreviver. Essa característica torna ele incapaz de ensinar, pois o intelectual é um atleta do pensamento. E o atletismo requer um treino constante. A ausência de amparo financeiro - salário adequado - cria uma característica bastante insalubre: professores que não estudam dão aulas sem refletir e sem se aprimorarem enquanto intelectuais.

Questionar sobre o ensino da arte em sua singularidade leva a um questionamento sobre o quadro geral da educação no Brasil. E esse quadro geral também revela as deficiências do Brasil enquanto nação e a linha estratégica de seus projetos de Estado. Falta-nos, como sempre, uma consistência e uma visão. Nosso caminhar é tímido e montado por acasos e tropeços.

Acabo de ler "Proposta ou Abordagem Triangular: uma breve revisão" de Ana Mae Barbosa

 

Quando refletimos sobre a arte devemos refletir de forma contextualizada, relativizadora e desalienante para que possamos ver a nós e aos outros de forma norma, pensando de forma crítica e conscienciosa.

Quando a burguesia criou a sua produção, ela precisava dum público consumidor. Para tal, ela reforçou um modelo de assimilação alienatória. Este modelo tinha muito a ver com a apreensão de objetos culturais - e também normas e valores - produzidos pela burguesia. Criou, com isso, uma dupla condição:

I- A venda de seus produtos culturais;

II- A assimilação de seus valores de forma imperceptível para a maioria das pessoas.

O modelo de cópia ou o mero consumo dos produtos, sobretudo aqueles produzidos pela indústria cultural, pode incorrer numa postura grosseira em que uma série de valores e normas culturais são psiquicamente naturalizadas como a realidade em si mesma e são reproduzidas por uma sociedade de modo acrítico. De tal forma, esse modelo de alienação pode ser aplicado por classes dominantes para arrefecer as classes dominadas ou por países dominantes contra países mais fracos.

A abordagem triangular é um modelo baseado na contextualização, na relatização dos valores e normas que regem o funcionamento das sociedades, na postura que temos diante do outro e de nós mesmos. É um modelo que pensa e age de forma crítica, possibilitando uma percepção social e uma autopercepção. O que vai contra as práticas de alienação e busca uma via de libertação pela arte. Buscando uma vida carregada de sentido, um devir artístico e descobertas múltiplas: sociológicas, antropológicas, geopolíticas, psicológicas, artísticas.

Acabo de ler "O Papel do Encenador: das vanguardas modernas ao processo colaborativo" de Cibele Forjaz

 

Existe uma linha, aqui bastante simplificada, para entender o desenvolvimento do encenador/diretor:

1- A primeira posição seria apenas de uma pessoa que vai ajudando nos ensaios para que se acomodem a concepção artística dum dramaturgo, um papel majoritariamente tomado pela subordinação textocêntrica;

2- Posteriormente há um aspecto de vanguarda na direção teatral. O diretor começa a ser tomado como um artista e autor dum processo próprio: a passagem do texto para a cena. Ele é um adaptador e também um co-autor, visto que dá um sentido próprio;

3- Por fim, instale-se o processo colaborativo em que cada pessoa envolvida na peça do teatro adentra como coautora. Uma descentralização que tem a plena potência do vigor democrático.

Estudar a forma que o teatro passa pelo tempo é interessante. O teatro também faz parte da história humana, visto que a arte é intrínseca à humanidade. E é importante ver que a estrutura descentralizada é muito parecida com uma das principais pautas contemporâneas: o desenvolvimento das múltiplas personalidades em harmonia de reconhecimento mútuo e em conjunto para a instauração dum processo criativo.

Quanto mais o tempo passa, mais a sociedade é plural e maior é a necessidade de questionarmos a questão da autoridade e sua centralização. Visto que uma autoridade irredutível é a negação de outras subjetividades, já que elas teriam que se curvar ante a autoridade central. Nessa questão, é preciso que aprendamos a valorizar a importância de cada vida humana, sempre aprendendo com as diferenças e entendendo que cada um tem a sua singularidade. O teatro é uma arte libertacional e, por isso, adiantou-se nesse processo de aceitação da democratização tão necessário ao mundo atual. 

Acabo de ler "As mudanças do diretor teatral e suas respectivas evoluções" de Carlos Alberto Ferreira Silva

Antes do surgimento da figura do diretor, existia um cargo mais ligado ao ensaiador. A figura consistia no preparo dos atores para a peça. Com o tempo, a mudança tecnológica - como as técnicas de iluminação e sonorização - exigiam um diretor mais atento ao processo geral da peça, o que exigia um cargo de natureza mais sistemática.

A figura do diretor teatral surge lá para o final do século XIX. As necessidades do cargo eram: cuidar do processo teatral para que gere um produto final. Deste modo, o diretor não era, tão somente, uma figura que pegava a dramaturgia e colocava ela em cena de forma despreocupada. Era necessário que essa obra fosse passada teatralizadamente, num processo cênico de qualidade e com todos os arranjos ambientes e sonoros necessários. O diretor era também autor pois era o responsável pela condição cênica que seria passada ao público.

O diretor meio que verticaliza o processo das várias distintas figuras que se unem para o fazer teatral. Ele é influenciado por todas elas e dialogicamente influencia todas em direção do resultado criativo. O que o torna de suma importância. Visto que o diretor é, também, um teórico sistemático do fazer teatral e é responsável pela concepção do teatro na plena expressão de sua totalidade.

O teatro é, certamente, uma das artes mais belas. E compreender a questão da teatralidade e de sua necessidade na vida humana - visto que exercemos através de nossas máscaras sociais papéis distintos em nossas vidas - é libertador e, ao mesmo tempo, extremamente complexo.